翁重華的室內弦話緣由

來自翁重華老師臉書

在學校規劃了「室內弦話」的節目已經有十年多一點點了，一開始其實只是單純希望能夠有自己的節目。彈多了聲樂或器樂的音樂會，曲目多半來自於獨奏（唱）家，給什麼彈什麼，鋼琴家甚少能有意見（而對於無伴奏曲目絕對是拍手叫好）。

自己的節目，意味著編排主題，找尋作品，物色合作對象，還有寫曲目解說，做文宣，聯絡錄影音工作等等。在一場演出中以同樣的編制，或者類似的主題(例如來自同一個地區或是不同作曲家的早期或晚期作品)是我常用的模式，作品在主題當中能夠比較出異同，對於演出的我們也有個清楚的排練目標。

找作品通常伴隨著不期而遇，特別是在一般常聽的「一線」作品都演出過了以後，YouTube、Naxos Library、IMSLP甚至廠牌唱片公司的線上目錄，便成為我開發曲目的重要線索。點開樂譜或音樂連結之後，有一些是能立刻產生共鳴，有一些則是眉頭深鎖只能搖頭。挖掘一些熱門作曲家的罕見作品，跟一些未曾耳聞但是編制符合主題的作品，我從中獲得的驚喜（有時是驚嚇），就好像在跟網友碰面一樣，都是只有自己才能體會的樂趣。

能演到自己喜歡的曲目，是最令人開心的事；而這個開心還包含著，是和自己認識的好朋友或者老師們一起合作，享受那些自己無法獨力完成的音樂。我一直都認為，因為無法獨力完成，才更顯出這些音樂的難得。每個合作皆有著它們的獨特與無法替代，因為那是跟特定人選所達成的共識，熟悉的伙伴通常有著一定的默契，新的對象則會帶來不同的思考面向，讓音樂重新被審視。所以室內樂一旦換了伙伴，換了曲目，一切都要歸零。

當演出結束返家後，最不捨的就是將這些譜歸檔的時刻，我總是不能夠確定是不是還有將它們「下架」的機會，也不知道下一次再演出同樣的作品，又會是哪些人？我們像是一起共乘的旅客，一同欣賞沿途的風景，而在抵達目的地後，各自走往不同的方向。

唯一能喚回的，都是那些排練中的點滴，我們也許都忘了最後的演出成果，但總是記得排練中的那些討論、笑鬧與爭辯。十年多下來，以每年上下學期各一場，一場中安排兩個作品的進度，持續的累積至今。我沒有想過系列可以維持到現在，然而督促著我的，是不是只是礙於一個「不甘寂寞」的懸念--可以有不同的聲音在耳際擱淺，還有多少精彩的作品，在等待初見？

翁重華：聖桑的鍵盤之愛

在這篇隨筆裡你可以讀到：1.聆聽聖桑鋼琴四重奏的重點提示 2.作曲家對鍵盤的情感

一般人印象中的聖桑，最有名的作品大概就屬「動物狂歡節」了。據說聖桑其實用這部作品嘲笑了不少作曲家，因此在作品首演之後，他就不再將作品上演，甚至也不承認出版，只除了「天鵝」一段。

大家所不知道的是，聖桑其實也是個神童，在五歲即登台彈奏貝多芬的小提琴奏鳴曲，十歲時在公開的音樂會上以「背譜演奏任何一首貝多芬的鋼琴奏鳴曲」作為安可；除此之外聖桑研究地質、考古、昆蟲、植物學等，並自學拉丁文，寫過關於聲學、羅馬劇院裝修、巫術的學術文章，同時還是法國天文學會的會員。

多產的聖桑，一生中寫過各式各樣類型的作品，然而聖桑最鍾愛的樂器還是鍵盤，在他的第三號交響曲「管風琴」中，除了動用管風琴之外，還讓一部鋼琴以四手聯彈的方式在樂團編制內；他的鋼琴協奏曲，也是處處充滿了華麗的技巧，將鍵盤音域拉到極限；在D小調的小提琴與鋼琴的奏鳴曲裡，也讓鋼琴以幾乎是獨奏家的方式和小提琴並駕齊驅。

雖然有人批評流於膚淺，但聖桑在音樂結構上，本質卻是相當的古典。他重視著音樂的內涵，在流暢的分解和弦和快速的音群之下，其實仍嚴守著基本的曲式架構，尤其喜歡讓旋律反覆出現，以「循環主題」的方式讓前面出現過的旋律重現。在多數的同儕作曲家汲汲於歌劇的同時，聖桑以器樂作品獲得了大眾的認同。

這首鋼琴四重奏其實是聖桑的第二號作品（第一號作品為學生時期的創作，直到1992年才被出版），在佛瑞的鋼琴四重奏出現之前，聖桑已經採用這樣的組合，以莫札特為範本，寫出這首優美且非常具有效果的四重奏。值得一書的是在終樂章裡運用賦格的方式，精準無誤的將前面三個樂章主題交錯出現在不同的樂器聲部中，如同接二連三施放的煙火，讓人驚嘆連連。

後記

記得2014年，第一次要演聖賞時其實相當忐忑，鍵盤是聖賞拿手的樂器，所以音符之多，譜面幾乎都是黑色的一片。最近重新看回一些評論，論及聖賞所要求的效果，是一種「忙碌的寧靜」--以密集的分解和弦，製造出一整片寬廣的安詳。在這樣懸殊的對比下，鋼琴家要保持的除了技術，還要有臨危不亂的穩定，面對密密麻麻的音符，知道作曲家要的效果勝於精準。我開始學著不被音符綁住，以塊狀的和聲去掌握，似乎就讓自己放鬆了下來。沒有忘記的，還有與作品初見的驚喜，這麼具份量、有效果又幾近完美的作品，居然極少被搬上舞台，至今我仍視它為壓箱寶之一。音樂家的責任，除了滿足聽眾口味，是不是偶而可以「自肥」，選擇自己真正想投入的作品之中？

翁重華：你心中也有一位不願辜負的人嗎？

在這篇介紹裡，你／妳可以讀到：1.捷克作曲家蘇克的起步  2.說不盡的師生情誼

1891年，17歲的蘇克（Joseph Suk, 1874-1935）開始跟隨德弗札克學習作曲。

德弗札克給他的第一個功課，便是以一個在黑板上的主題創作的變奏曲。才學習三年作曲的蘇克並未理想的完成這個作業，於是老師提議不妨換個方式，寫作一個鋼琴四重奏試看看(在這之前蘇克已經完成過一首鋼琴三重奏，也讓老師過目了)。這個提議佔據了蘇克所有的精神和時間，創作的同時，和Hans Wihan(捷克弦樂四重奏的大提琴手)一起的室內樂課程，則讓他對室內樂作品有更深入的瞭解，間接強化了寫作的技術。

幾年後蘇克這麼回憶著：「那一年的復活節我在老家，完成了四重奏的第一樂章，老師看過之後，興致勃勃的跟我說他想要看看接下來作品會怎麼發展。這反而讓我害羞了起來，但也鼓舞了我以全部的熱情繼續寫作。後來的作曲班上，老師點名了：『蘇克，讓我們看看你還寫了什麼！』我坐到鋼琴前，將第二樂章邊彈邊唱直到中段結束，然後對老師說，就只有到此而已。整個班上陷入了一種異常的安靜，所有人都嚴肅的盯著我。我看到老師朝我走來，接著在我的臉頰上吻了一下，說道『你，是最棒的！』。那天下課後，我步履蹣跚頭腦發昏的走在回家的路上，心裡只有一個念頭：面對我的恩師--這麼一個值得信賴的偉大的人--我還能為他做些什麼？」

懷著景仰、感念、熱情和激動的心情，蘇克將這首鋼琴四重奏，以作品1出版，題獻給他最親愛的老師。

P.S. 影片中擔綱第一小提琴的Josef Suk是作曲家Josef Suk的孫子，也是Dvorak的曾孫（作曲家Suk娶了Dvorak的女兒）

黃郁婷：一首讓我收穫了那份珍貴悸動的作品

在這篇文章裡，你／妳會讀到：1.「羅密歐與茱麗葉」從「戲劇」成為「芭蕾舞劇」的歷程  2.小提琴改編曲的聆賞方法  3.演奏家的心裡話

普羅高菲夫  羅密歐與茱麗葉組曲

S. Prokofiev suite from “Romeo and Juliette” for violin and piano﹐

arr. Lidia Baich/Matthias Fletzberger

Introduction    序奏 

Julia   茱麗葉 1"46

Tanz der Ritter 騎士之舞 3"08

Balkonszene     樓台場景 5"57

Tanz der Paare 情侶之舞 10"16

Mercutio    莫枯修 11"34

Kampf und Tybalts Tod 戰鬥與堤伯特之死  12"20

普羅高菲夫根據莎士比亞的劇本《羅密歐與茱麗葉》譜寫芭蕾舞劇，於1938年首演，在芭蕾舞劇完成後，普羅高菲夫又從中選段完成三組管絃樂組曲以及鋼琴獨奏作品。

在芭蕾中沒有對話， 因此音樂寫作上普羅高菲夫以主題動機來描述角色，這樣的寫作方式是受到華格納的影響，每個角色都賦予著鮮明的個性。在管絃樂組曲中，配器上有許多特別的樂器使用，包含薩克斯風，曼陀林及古中提琴 (viola d’amore)，讓音色的呈現又更加多元。在音樂上，普羅高菲夫結合了細膩的愛情故事以及刻劃真實的打鬥場景，深刻的表達濃烈的愛戀，以及激動，緊張的情緒，揉合了溫暖以及寫實的故事情節。

小提琴與鋼琴的組曲版本是由奧地利小提琴家Lidia Baich和鋼琴家Matthias Fletzberger改編， 於2012年出版。這個版本中節選了幾位主角的音樂，包含羅密歐，茱麗葉，羅密歐的好友莫枯修(Mercutio) ，以及茱麗葉的表哥提巴特 (Tybalt) 。

樂曲選段由序奏開啟，青春嬉戲的茱麗葉登場，接續著家族的騎士之舞，發展到本劇中心的陽台場景，雙人舞濃烈展現了愛戀的美好，接續著年輕男子們的戰鬥，組曲版本雖以提巴特之死作為音樂的結束，但也暗示著故事走向悲愴的結局。

普羅高菲夫的羅密歐與茱麗葉改編給小提琴跟鋼琴的版本，多是以選曲方式編排； 這次演奏的這個版本以組曲寫作，讓故事更一氣呵成。樂曲寫作上展現鋼琴與小提琴多變的音色與技巧：鋼琴如同樂團般，呈現磅礡的聲響；小提琴多變的色彩，鮮明的介紹著每個角色；絢麗的技巧，緊湊的敘説著故事； 藉由精彩的二重奏組曲型式，讓情緒跟隨著音樂，再此體驗這段淒美的愛情。

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很榮幸受到吳總監的邀請加入活樂時光平台，和其他優秀的音樂家們一起在平台中分享音樂。選擇這首做為我的第一首介紹作品，因為這是我剛回國時，在交響樂團工作第一場正式演出的曲目，另外，我永遠記得我第一次看完Romeo and Juliet芭蕾舞劇的那份悸動，之後在看到這首組曲版本的樂譜時，興奮的覺得這首曲子非演不可，剛拿到樂譜時，還非常心急的把Balcony scene拉了很多次.......這次分享的演奏版本是我與鋼琴家翁重華老師在合作多年後，在2019演奏廳演奏的現場video，希望把這首曲子推薦給喜歡芭蕾音樂也喜歡小提琴演奏的愛樂者們！

改編作品結合了改編者與演奏者重現經典作，並賦予更多的想像，為經典作品展現新的面貌。接下來，會為各位陸續介紹其他我所喜歡的改編作品，發現及演奏改編作品對我來説是充滿樂趣且新奇的，熟悉的作品，有時會有一種“舊朋友換新裝扮”的感覺，常常有會心一笑的片刻，非常期待與大家分享這些作品！

王亞文：沙發要這樣擺

在這篇隨筆中，我們可以讀到：1.深夜裡可以做的事 2.對於「錯」，我們可以這樣看 3.對現代母親的打氣

我真的很愛沒事就動動家裡的擺設，大概是從小看慣了媽媽心情不管是好還是不好，都用移動傢具來表示，果然是真傳。

很愛亂牽拖的我在夜深人靜時，突然深覺這個動作意義重大，一方面是表示我愈來愈了解自己的需求，二方面是我與我所在的空間，相處得愈來愈融洽，最重要的，是我欣賞並且感謝，改變前帶來的價值，即便在做改造時都是迫不及待，但我很清楚那只是因為有了新方向而感到興奮；改變之前的存在，對我來說還是無可取代的。

所以我很愛彈「錯」（這是什麼結論）。

我的意思是，練琴時，我深深愛上那些自己能夠意識到錯誤，想做點改變的時刻，因為就是這些時刻讓我更能消化這個作品。

至少我是這麼認為，「錯誤的發生」本身多少帶點自己先入為主的觀念、經驗，能夠發現自己犯了錯，這本身就是個難得的事，更不用說還要將它修正，真的是要給自己拍拍手才是。

總之，沙發放在牆邊也是幾年了，最近改個角度好像更好，頓時覺得自己真是好棒棒，怎麼想得到怎麼完美的方式擺放呢！哈！但沒有放過原本的位置，我又怎麼可能知道這樣做更適合我？

（原文刊登於王亞文官網）

張璿：遠距視訊個別課教學分享

已經線上課程第三個星期，和大家分享一下。音樂個別課的線上課程已經討論和規劃了兩年，但一直沒有真正落實，主要的考量在於音樂藝術領域的學習，除非學生特別有自我啟發性，不然在手把手地傳授感受力和聽覺的部分，不確定經過視訊壓縮後，是否有成效。

但，情況已經這樣了，不囉唆，做！ 學校的緊急封鎖消息，讓線上課程陸續在兩天內設定好，老師們上傳課程大綱與測試。討論兩年的事情在兩天內做到，證實在美國學校裡其實沒有什麼不可能的政策，只有做不做的事。

課前準備

關於軟體設定

無論使用哪一種視訊軟體，最初都先應該仔細查看每一個控制隱私權選項，例如：選擇學生進入課堂時，需要密碼或是進入等待區，待老師確認權限才能進入等。

另外，建議攝影孔和樂器的角度，至少調整到畫面平行或從上而下。有時看到對方視訊螢幕為鼻孔與天花板的角度，看久了除了視覺疲乏外，脖子也會感覺些許的酸。

關於硬體設定

理想中，收音和放音建議分開。最簡單的方式，就是使用耳機放音。使用耳機可以避免電腦同時在收放音產生的延遲與雜音。若是不習慣在演奏樂器時戴上耳機，以及考量耳機線對於攝影位置的侷限，可使用外接電腦喇叭，並且避免喇叭放音角度與電腦收音的孔重疊。簡單的方式就可提升教學的品質。當然，若能進一步使用收音麥克風收取樂器的聲音，的確會提升教學效率。但，這樣的設置，一般來說對於學生與家庭，並不容易。視訊教學雖然越簡單越好，但音樂個別課若真的長期需要使用視訊，的確需要考慮以最小成本，安排小巧的攝影錄音方式。

開始上課

關於開始的兩個星期，學生反應與教學效果都不錯。以下其中幾點提供參考：

關於教學

1. 教學內容需要更精簡，需要更多時間等待反應與回饋。當每句話以舒服的速度講完後需停留大約1/4秒，等學生聽懂、思考、並做出回應。

2. 視訊教學時不能雙方同時演奏與同時講話。例如：當學生盡情享受自己的演奏時，聽不到老師對螢幕大吼『可以停下來了！』。教學時，需要先告知聹聽的段落。另外，現場教學時與學生一起合奏的樂趣，在視訊中並不能使用。

3. 視訊教學無法由老師親自糾正姿勢，以及有效率的讓學生體會身體的運用。這部分，其實是很好的機會，教導學生如何成為自己的老師，如何學習自我成長。例如，如果學生的狀況是手型坍塌，我會請學生自己用左手食指，像雨傘般支撐著右手掌心中指的 “土星丘” （不知道如何形容，有興趣知道確切位置可google搜尋，也可參考照片1 ），以這個點為手形的中心點，讓其他手指獨立放鬆的運動，反之亦然。並在練習時，自己感受並形容（恩，隔空開藥）

關於樂器音質

在聲音的選項內，“不要” 選取自動過濾雜音的功能。如果是純粹講課，這個功能很好，家中若有傳來的炒菜聲、背景吵鬧聲音可以過濾掉。但對於樂器演奏，需要同時聽到較高與較低的頻率，才能盡量還原樂器的音色。

關於音樂表現力與音色的控制

音量強弱的變化，經過電腦的麥克風效果被壓縮，學生反而會更努力去做到關於音量的表現力。但音量的表現力，同時需要細膩的音色的控制，但音色在一般視訊課程中，很難聽出細節。所以視訊教學規劃中，每個學生需要在 google drive 上設定共享資料夾，每星期將其練習曲目之中需要幫助的部分，以影音錄製上傳。在 google drive上，也建議學生使用 google sheet 紀錄練習與問題，老師有時間可以在分享檔案上，依序回答。這也可以幫助學生建立自我省查和練習的規劃。

關於時間的控制

視訊教學不見得比親自一對一教學費力，但必須專注在螢幕前如表演般的演講，對於學生或是老師、對於視力或是聽力，長時間下來都會產生一定程度的不舒服與壓縮感。建議將一星期一堂60分鐘的課程，有效的分為兩堂45分鐘：一堂專注於技巧，一堂課專注於曲目的詮釋與討論。

實例分享

我以「大鍵琴和古鋼琴怎麼教！」為例進一步說明！

對於沒有樂器的學生，學校的封鎖，的確使得學生無法享受在大鍵琴與古鋼琴上演奏的樂趣、以及體會古樂器舒適的觸鍵。於是，學生可以選擇，在鋼琴上演奏巴洛克和古典時期作品的詮釋。如何在鋼琴上，將具有時代性特徵的樂句、終止式、風格、還有音色等豐富展現，是值得學習的內容。

另外，學校音樂系將提供還留在鎮上無法離開的鋼琴主修學生們，一人一台電子琴。對於沒有鋼琴的學生必須用電子琴，想像鋼琴、大鍵琴、和古鋼琴的音色，除了對傳統學習是一種挑戰外，另一方面，私心的期望，鋼琴主修可以在這個機會下，啟發對作曲與即興的靈感。用電子琴的練琴方式，或許可以發展出古典音樂外的多面向。

關於視訊音樂教學，目前還在思考如何突破的點為：在弦樂器上的音準！音準！音準！音準是古典音樂表現裡最基本但不容易的藝術，在文章最一開頭提到的爭議：“除非學生特別有自我啟發性，不然必須手把手地傳授感受力和聽覺”的部分。有些學生對於音準的敏感度尚未成熟，建議在為這樣的學生視訊上課時，請學生自行準備調音器協助。除了老師能更開心的持續享受美妙的音樂教學，也是機會讓學生學習如何找協助工具。

影響視訊教學最直接的是網路速度。家裡的網速一般沒有學校快與穩定，一但下大雨，社區還有停電的風險。印第安納大學雖然封鎖校園，但仍規劃了一個大停車場。在這個停車場範圍裡有最快最穩的wifi，讓老師們能在隔離的空間內，維持教學的品質（雖然在車子裡教學很奇怪，但許多視訊軟體都可以換背景，教學畫面還是可以維持舒服的程度。）

法學院教授使用Zoom背景

剛開始的視訊隔離兩週課程，學生出乎意料的專心。這是很好的機會在開始習慣軟硬體時，讓學生把技巧部分專心磨練、反覆練習。但長久下來，視訊遠距音樂個別課，還不能確定學生對於螢幕的疲勞性、以及持續學習的熱誠。在長遠的音樂教育成效上，尤其是對音樂性與音準的效果還需商榷。或許，在人與人社交靜止下所激發出的時空，能成為啟發安靜思考的契機。

另外，作為家長，視訊遠距教學的確節省很多精力在交通和等待上。只要小朋友準備好了，確定了設定和角度，把畫面裡的雜物挪開（不需特別整理），在旁邊穿睡衣或是在廚房準備晚餐都不是問題。十分愉悅。在前幾天的舞蹈課裡，也看到有同學在公園裡參與視訊課，背景的鳥叫和同學們興奮的雜七雜八聲音十分熱鬧。雖然老師有指示同學在大班課時將收音麥克風設定靜音，但能和同學們一起跳舞和說話，的確在這樣的社交方式情況下，感覺不孤單。

林志謙：找到方向就可能突圍生活的限制

跟著志謙，我們將讀到：1.有效的樂器練習分享  2.轉換跑道的心路歷程  3.新手爸爸的用心

對於當下的生活，每個人會有不同的解讀——有些人覺得滿意，無須多做改變、有些人希望有所調整，或許大多數的人和我一樣屬於後者。而事實上，每個人在不同階段都必須找尋「平衡點」，這個平衡點的兩端會有些許的變化。對現階段的我而言，一端是工作、演出與自己想做的事，另一端則是家庭，所有的壓力，都來自兩邊在時間的拉鋸賽上；相對於學生時期的階段，這平衡可能相對簡單些，天秤兩邊的盤子上，不外乎課業、同儕，另一邊則是目標，生活的壓力也許只是羨慕別人成績好、有才藝、人緣好等等。但無論在哪個階段，我相信只要有想突破的心，關鍵點就在思考、效率與勤奮。勤奮是我的座右銘，我一直相信只要夠努力，就會有一定程度的進步。

在努力與勤奮的路上，最常遇到的障礙物，便是自己的懶惰與羨慕別人的心。我們容易覺得別人的生活很豐富，只因為對於別人的生活我們常常只看到了表面，尤其是光鮮亮麗、輕鬆愜意、享受生活的部分，卻往往忽略了其他面向的努力，及成就他們背後的付出。如同很多人在定義我的人生之餘，背後也是有一段從墮落深淵，努力往上爬的故事。

漆黑的鏡子前照出未來的路

想起有個懵懂無知的普通班學生，毅然決然的在升高三的暑假決定報考音樂系，即便深知術科程度落後從小念音樂班的學生、學科在高中前兩年也非常不扎實，而他只能努力不懈，把先前墮落的時光補回來，把落後的時間加倍追回。我記得他擬定的高三衝刺行程是：放學後半小時吃完飯，進圖書館到晚上九點半關門，再到管樂社團練琴到半夜十二點、一點。每天重複著固定的行程，週末就是主修、副修、視唱、聽寫、樂理等術科的加強上課時間。

如此「充實」的高三生活是來自前兩年的墮落：高一、高二便一頭栽進管樂社，從此無法自拔。沉迷音樂的小小世界後，一路發展到有一個月的時間，每天揹著書包進校門後直接走往社團練習、聽音樂、團練整天，只為了準備好管樂團的音樂比賽。而下課後便和同學相約網咖，甚至整夜不睡覺包臺到天亮­—這樣的生活雖在學風自由的台中一中，想想也算是特例了—但當下決定要發奮圖強時，他再也沒有踏進網咖半步，一切盤算著要如何考上理想中的音樂系，試圖解決路上的荊棘。

晚上學校斷電後，拿照明燈在漆黑的社團大鏡子前練習，毛骨悚然的舉動只為了注意著自己的嘴型是否正確。就這樣每天都「默默的」在寧靜的校園裡吹樂器、彈鋼琴，想也知道怎麼可能不被工友先生發現。有一次就被通報教官，立刻沒收社團鑰匙，但隔天馬上想出對策，先觀察工友先生行程，在他接近時上鎖並躲起來，待他遠去再開始練習，練完琴再翻牆出早已關閉的學校。

噢！我忘了說，那個不知天高地厚的高中生就是我本人。

努力加上效率，成為專家的唯一途徑

我深信著作家格拉德威爾（Malcolm Gladwell,b. 1963）在《異數：超凡與平凡的界線在哪裡？》（Outliers: The Story of Success, 2008）中提出「一萬小時定律」，認為持續不斷的努力，便能成為該領域的專家。就我經驗，若同時配合上效率，便會是能成功的關鍵—如果只是一味的埋頭苦幹，沒有先想好如何提升效率與方法，是容易事倍功半的。

比如我第一次在美國考職業樂團時，就遇到了很特別的經驗。當時我飛到路易斯安那州的紐奧良，有許多應考者都住在同間旅館裡，一進房便聽到隔壁傳來單簧管聲，特別的是，隔壁房客練習時竟以將近一半的速度在吹奏著所有曲目，無知的我還嗤之以鼻的覺得都在最後關頭了，怎麼會還花這麼多時間以慢速吹奏練習？隔天結果公布，從七十多位應考者中，通過三輪考試脫引而出，並獲得路易斯安那愛樂樂團的單簧管首席職位的人，正是隔壁的房客！這練習方法持續在我腦中多時，百思不得其解，但終於在幾次上課與大師班中解開我心中的疑惑，運用甚慢的速度來確保每個小細節都能由演奏者掌握，也確實能夠用耳朵聽清楚樂思，這些微小變化才能清楚傳達，同時也是因為速度慢，才能讓演奏音樂時得一心多用的每個環節確實被照顧到，而不會只流於一種肌肉記憶。因此，這方法也成為我練習的重要方針。

五年、十年、二十年後你想成為什麼樣的人？

思考這個詞在我學習路上是較不被重視的，但卻在幾個人生重要轉捩點中扮演最重要的角色，常常花些時間靜下心思考，會有許多想法更清晰，我會問自己，人生的目標是什麼？五年、十年、二十年後我想要成為什麼樣的人？什麼樣的工作是我喜歡的什麼是沒興趣的？縱使答案剛開始不明確，但漸漸方向會是越來越清楚的。對學生而言，個人覺得可以多問自己幾個問題，想做什麼職業？對將來生活的想像是如何的？要怎樣才能達成想像中的生活？這些問題不容易有立即的答案，但在這漫長的摸索之中你會自己了解到，哪些事是你在行，哪些事能使你開心有成就感，哪些能成為日後的經濟來源。

美國留學是讓我養成思考的時期，上課時同學的發言踴躍與態度跟台灣很不一樣，會在上課中與老師激烈的討論與積極發言，反觀自己於此，較不勇敢，較沒主觀意識與個人想法，我想跟從小的教育有些關係：我們被教導聽老師的話，不敢有太多個人想法，太多想法的學生很容易歸類為「不乖」等。這樣的不同，刺激我去思考更多屬於自己的想法，而美國上課老師也常問：你覺得呢？激發我們去想，尤其在藝術或是需要創造力、想像力的領域，真的是需要有屬於個人的觀點來說服別人。

回頭再檢視自己目前的生活，一定都有可以再突破的地方，覺得時間不夠用？那就思考如何在有限的時間裡，用最有效率的方法勤奮努力。一天中的哪個時間點是做事最有效率的時候？同樣的行程可以怎麼安排來節省一些時間？讓工作更有效率？以我學生時期而言，晚上念書是浪費時間的，因為往往沒十分鐘已開始昏昏欲睡，根本是被書看而不是看書，也因此進圖書館的時間一定是選在精神好的時候，先思考自己的情況，找出最適合自己的工作方式。

現在的生活，除了懶惰，手機、3C產品能輕易地成為我們的敵人。我們容易花過多的時間在滑手機，而它也確實能讓我們有滿足感，但如果每天花了幾小時在上面，應該捫心自問，我們從中獲得了什麼？當沉迷於電玩或網咖時，我也是這樣問自己，當遊戲玩得很好，戰勝了敵人，回到現實生活中，我的人生變得不一樣了嗎？我想答案是顯而易見的。

每個人都有屬於自己的一條路，而且路是人走出來的，別人的成功路可以成為借鏡，但不一定是適合自己的，只要摸索之中慢慢找出自己的方向，即使繞了一圈，還是會找到屬於自己的路。



（原文刊載於黃秋芳創作坊中壢教室新聞台，是林志謙特別為音樂學習所寫的一封信）