翁重華的室內弦話05：木管加入的聚會

時間：2010/10/30  19：30

曲目：莫札特降E大調給鋼琴和木管的五重奏，作品452；貝多芬降E大調給鋼琴和木管的五重奏，作品16；舒伯特A大調給鋼琴和弦樂的五重奏「鱒魚」，作品667

 

演出：

雙簧管 / 干詠穎

單簧管 / 曾素玲

低音管 / 王映丹

法國號 / 王婉如

小提琴 / 楊琬茜

中提琴 / 陳可倪

大提琴 / 李易真

低音提琴 / 蔡歆婕

 

 

莫札特在這首給鋼琴和木管的五重奏首演之後，寫了信告訴他的父親，這首作品獲得了極大的成功，並且是他這一生的創作以來，最好的一部作品。在當時的室內樂作品裡，絕大多數的作曲家都將鋼琴和弦樂並列，鮮少和木管搭配演出，因此以這樣的組合看來，這首作品在當時確實有它吸引人之處。在有限的音域和樂器條件影響之下，莫札特除了將各樂器的音色發揮到淋漓盡致，更相互搭配製造特別的音響，並以鋼琴協奏曲的寫作方式讓木管群和鋼琴競奏，使作品相當生動精彩。

 

貝多芬在早期為管樂器創作了不少室內樂作品，譬如為鋼琴、豎笛和大提琴的三重奏作品11；給鋼琴和法國號的奏鳴曲作品17；給弦樂和管樂的七重奏作品20，當然也包括了這首五重奏。從各方面看來，這首作品都被認為是在向莫札特致敬(或說匹敵)的創作—相同的樂器組合、相同的調性、相同的樂章數，在第一樂章開頭都以慢板開始，第三樂章以輪旋曲結束，甚至兩位作曲家都在作品首演時擔任鋼琴部分。有別於弦樂室內樂的濃厚張力，這兩首作品所散發出來的，是一種歡愉、輕鬆卻又不失典雅的風味。

 

舒伯特這首A大調的鋼琴五重奏別名「鱒魚」，完成於1819年，其在於第四樂章取自於作曲家本人在1817年所寫的藝術歌曲「鱒魚」（Die Forelle）為主題，譜寫出一連串的變奏。一般所熟悉的鋼琴五重奏是以鋼琴加上兩支小提琴、一支中提琴與一支大提琴，而這首作品是應當時的一位大提琴家Sylvester Paumgartner所寫，可能在於要將大提琴擺脫一般純粹伴奏的地位，因而加入了低音提琴，使大提琴能有發揮的空間；再者將常見的四個樂章形式擴充為五個樂章，使得樂曲更加龐大。舒伯特在寫作這首五重奏時年僅22歲，也是他一生中唯一的一首五重奏作品，可惜直到過世之後才得以出版。

 

後記

玩了兩場的五重奏後，來了一場更大的，召集了八位音樂家一起同台，這是截至目前為止動用最多人數的一場弦話。我還是不知道當時怎麼樣把大家的時間都湊在一起，然後拆成兩組排練，工程相當浩大，當時費心聯絡的苦頭都已經想不起來是怎麼吃的（編者按：後來有學乖嗎？ＸＤ）。莫札特和貝多芬這兩首姊妹作一直都是我喜歡的私房曲目之一(之二？)，擁有最漂亮和最年輕的旋律線條，再加上又是我最愛的調性寫成，成為鋼琴與管樂室內樂最經點也最常被放一起演出的曲目，後來也跟NSO的老師們一起演過。

舒伯特的鱒魚長達四十分鐘，是很適合當一個半場的作品，最近演出的一次是在去年NSO的室內樂節目中，今年學校的小朋友們也用一年的時間完成了這個作品。雙簧管的干老師目前是淡江大學通識中心主任，在他的協助之下我們後來有好幾次去到淡江演出的機會，很巧的是事隔多年後在下週(6/17)又要跟老師同台；低音管的王老師是台北城市科技大學的老師，也是畢業於藝術學院的大學姐。曾老師是系上專任老師，我們一起征戰過好幾個不同的舞台迄今；法國號王老師是NSO團員，除了吹樂器也有好廚藝。低音提琴的歆婕是高中和大學同學，北藝大沒唸完就去了法國深造，現在也在NSO拉了十多年了。

 

 

翁重華的室內弦話04 ：曲折之必要

時間：2010/05/01  19：30

曲目：杜南伊第一號C小調鋼琴五重奏，作品1；布拉姆斯F小調鋼琴五重奏，作品34

 

 

雖然說杜南伊與巴爾托克、高大宜並列為二十世紀匈牙利音樂的代表作曲家，但相較於後兩者對於發掘匈牙利傳統音樂的濃厚興趣，杜南伊顯然背道而馳。從其作品內散發的高昂旋律以及濃烈情感來看，杜南伊的音樂接近於後浪漫派的德式風格，仔細聽來竟帶有些許布拉姆斯的身影。這首作品編號一的五重奏雖然是作曲家十八歲時的年輕作品，但是從寫作上卻找不出任何青澀拙劣的痕跡，以平易近人的高度旋律性獲得大眾喜愛而廣為流傳。在布拉姆斯的大力讚賞之下，安排了此曲於1895年十一月在維也納首演。

 

 

布拉姆斯五重奏則一段曲折的創作過程。首先是布拉姆斯在1862年將此曲以弦樂五重奏的方式完成，但是被當時的小提琴家姚阿幸認為音樂的織體超過弦樂器所能呈現，而建議作曲家以鋼琴的型式發表。布拉姆斯遂將其改編為雙鋼琴的版本，不料這個結果又被當時的鋼琴家舒曼之妻—克拉拉舒曼所批評，使得布拉姆斯二度改寫，將弦樂部分重新帶回到作品當中，成為了最終鋼琴與弦樂的版本。這個年輕的作品裡有布拉姆斯的氣勢凌人，除了一些寧靜抒情的片段之外，整體上在許多段落裡近乎粗暴的表現都顯得十分的交響化，遠系的轉調 (第一樂章的第二主題為升C小調，再現部時又轉到升F小調)是一大特色。貴為史上最知名的五重奏，其作品密度之高、張力之龐大與技巧之艱深，對於聽者和演出者，都是一個極大的負荷與挑戰。

 

 

 

後記

距離上一場的弦話剛好是一年的時間，在2009的下半年，因為跟系上的管樂曾素玲老師一起做了一場室內樂，所以就把弦話暫停了一次。那場的曲目同樣精彩，分別為Spohr史博的《六首德文歌曲，作品103》(給女高音、單簧管和鋼琴)，斯特拉溫斯基《大兵的故事》(給小提琴、單簧管和鋼琴)以及布拉姆斯A小調三重奏作品114(給單簧管、大提琴和鋼琴)。

 

史上的三大鋼琴五重奏除了舒曼和德佛札克，再來就是杜南伊和布拉姆斯了。將它們放在同一場其實相當有趣，杜南伊承襲了浪漫派的德奧風格寫成這個作品，由布拉姆斯安排首演。作品中不乏有一些模仿，但最終是走出了自己的風格語彙，後來我逐漸喜歡上這位比較不被重視的作曲家，挖掘出很多相當精彩而且耐聽的作品。布拉姆斯這首還在美國唸書時就常常聽到有人演奏，那時覺得可以彈到這一首有一種殊榮感，因為最重而且最難。但是後來這個作品至今我就也只演了那麼一次而已。演出過後，拉小提琴的貽茜跟我說，他從來沒看過我這麼緊張，在琴房裡彈到最後一刻才出來上台。我記得有這一段，也記得這唯一的一次其實演得挺好的。

 

不知道為什麼什這一場的節目單只是很簡單的用影印機做出來而已，完全沒有設計和加工。

 

翁重華的室內弦話03：鋼琴五重奏的經典巡禮

時間：2009/05/02(六)   19：30

曲目：舒曼降E大調鋼琴五重奏，作品44；德佛札克A大調鋼琴五重奏，作品81

小提琴/楊貽茜、楊琬茜

中提琴/陳可倪

大提琴/李易真

關於鋼琴五重奏

一般提到的鋼琴五重奏組合為鋼琴加上一組弦樂四重奏，其重要的創作像是德國作曲家舒曼(Robert Schumann, 1810-1856)和布拉姆斯(Johannes Brahms, 1833-1897)；捷克作曲家德佛札克(Antonin Dvorák, 1841-1904)與杜南伊(Ernst von Dohnányi, 1877-1960)；法國作曲家佛瑞(Gabriel Fauré, 1845-1924)與法朗克(César Franck, 1822-1890)；俄國作曲家蕭斯塔可維奇(Dmitry Shostakovich, 1906-1975)等。

較早之前，莫札特和貝多芬也各有一首給鋼琴與木管樂器的五重奏，還有舒伯特為鋼琴及小提琴、中提琴、大提琴與低音提琴的鱒魚五重奏。多半認為舒曼、布拉姆斯和德佛札克的創作並列為音樂史上三首最傑出的鋼琴五重奏。在重要的國際鋼琴大賽中，參賽者常會被要求在其中一輪的比賽中與弦樂四重奏演出室內樂，以考驗其合作演出上的藝術。

舒曼：降E大調鋼琴五重奏，作品44

如果說1840年是舒曼的歌曲之年，那麼1842年就是他的室內樂之年。繼三首弦樂四重奏(作品41)之後，舒曼對於弦樂的寫作逐漸熟悉，遂決定將弦樂與他原本就得心應手的鋼琴相結合，先後完成了鋼琴五重奏（降E大調，作品44）、鋼琴四重奏（降E大調，作品47）與鋼琴三重奏的幻想小品）A小調，作品88）；五重奏僅僅花了兩週的時間就完成了。

在這些作品中，舒曼傾力注入了他最豐富的音樂想像—新鮮、活潑而具有創意；神氣且輝煌的開頭，送葬進行的慢板樂章、飛馳奔走的詼諧曲以及首尾呼應的終樂章，可見舒曼對於室內樂的自信和能量源源不絕，也同時樹立了鋼琴和弦樂四重奏間的高度融合與平衡關係，對於之後創作同一類型作品的布拉姆斯、德佛札克以及法蘭克，有著相當深遠的影響。

德佛札克：A大調鋼琴五重奏，作品81

1872年，德佛札克曾經完成過一首鋼琴五重奏(A大調，作品5)，但是在不滿意的情況下將手稿銷毀。15年後，德佛札克從一個朋友手中將作品取得，考慮將它修改後重新出版。然而經過一番深思後，作曲家決定以一首全新的創作取代，於是遂有了這首同調性的五重奏問世。在這首作品裡有著德佛札克個人完全成熟的獨特風格—類布拉姆斯溫暖的深度、東歐民族色彩韻律的發揮，與近似透明的旋律織感。在三者完美交集的平衡中，使其成為十九世紀浪漫時期最具代表性的室內樂作品之一。

​後記

在兩場的四重奏之後，我把重心轉向有更高規格的五重奏上。在當時覺得這是鋼琴室內樂作品的顛峰，是鋼琴家最想挑戰的組合，現在想來好像只是因為這些曲子都是名曲都是經典，沒有彈過說不過去，現在想來，這些作品其實並不是最鍾愛的。

舒曼的五重奏，在那次的王道銀行音樂會裡，被黃郁婷老師跟布拉姆斯放在一起了。我到現在還是不知道自己當時怎麼一口氣演完這兩個龐大的曲子，黃老師後來有對這樣「挑戰鋼琴家極限」的安排感到歉意。德佛札克這首人見人愛，一般覺得舒曼或布拉姆斯太難的，就會從德佛札克開始。在學校裡只要是修過五重奏這個組合的，這兩個作品一定會練到，因為擁有不可動搖的地位(其實也等於就是五重奏的名曲並不多)。

小提琴「雙楊姊妹花」是我的學妹，是一對很有才氣，講話音頻一模一樣的雙胞胎，我會這樣說是因為當排練中他們兩個人在討論音樂時，閉起眼睛聽，會以為是一個人在自問自答。他們在同一所小學中學大學然後又一起考進慕尼黑音樂院，後來姐姐貽茜去寫了小說出了書，拍了電影「寶米恰恰」當導演，我都還去客串彈奏電影的配樂，而配樂就是出自妹妹琬茜之手，琬茜目前在長榮樂團，跟陳可倪是同事也是學姐妹，除了拉琴也製作很多配樂。

翁重華的室內弦話02：波西米亞水晶與夜之章節

時間：2008/12/06（六）   19：30

曲目：德佛札克降E大調鋼琴四重奏，作品87；布拉姆斯A大調第二號鋼琴四重奏，作品26

1870年，在布拉姆斯和小提琴家姚阿幸的引介下，柏林的出版商Fritz Simrock成功的發行了德佛札克的聲樂二重唱以及斯拉夫舞曲等作品，同時間並要求了更多其他的創作，其中就包含了一首鋼琴四重奏。只是當時德佛札克正忙於其他的創作而延宕；直到近20年後，德佛札克才將這個應允了這個承諾並將作品完成。

曲中明顯的受到了布拉姆斯的影響，在第一和第四樂章使用了奏鳴曲式使其架構嚴謹完整；第二樂章有著作曲家最純粹的抒情旋律，分別以五個主題在寧靜或悲憤中等不同的情緒下自然的流暢。第三樂章帶有濃厚的民族色彩，以兩種不同風格的舞曲組成，鋼琴的音響讓人聯想到清脆的揚琴聲或是東歐的民族樂器，增二度帶來的效果甚至有些吉普賽風。毫無疑問的，這首傑出的作品被認為是四重奏的經典之一，以原創精神獲得大眾歡迎且足以和布拉姆斯的室內樂作品相提並論。

布拉姆斯的前兩首鋼琴四重奏皆完成於1861年，分別以編號25及26出版。這首第二號證明了作曲家對舒伯特音樂的熱中與對維也納這個城市的喜愛，此時的布拉姆斯剛從德國漢堡遷入維也納，同時間並對舒伯特的器樂作品和室內樂產生興趣。由於十九世紀初唯一的職業四重奏團的小提琴家過世，使得大部分的室內樂作品都無法呈現，直到1849年成立的Hellmesberger Quartet出現，致力於許多舒伯特未出版的作品，同時對於布拉姆斯的作品也相當有興趣，於是將兩首鋼琴四重奏做了首演。

在這首作品中可以聽見布拉姆斯對舒伯特室內樂作品部份所做的研究，以鬆弛的樂句在龐大的作品中串聯，達到一種不費力卻連綿不斷的效果。作曲家用許多新穎的手法和素材當作調色盤一般，能讓樂曲聽起來維持源源不絕的創新。在很多方面來說，布拉姆斯都承襲並引導了兩個維也納學派（由海頓、莫札特、貝多芬與舒伯特等人隸屬的第一學派，及荀白克、貝爾格與魏本的第二學派），其歷史地位與音樂創作皆有重要貢獻。

後記

第二場的室內弦話，在當時有一個自己下的副標題：

黑白鍵起落  如波西米亞水晶般清澈

弦上的繞指  在夜之章節中纏綿蔓延

用兩句話為這兩個作品點出主題。雖然我沒有去過捷克，但是知道水晶是當地的盛產之一；而夜之章節（The Night Piece）是布拉姆斯自己對這個四重奏的慢板樂章所給的標籤。這首A大調的四重奏是布拉姆斯三首四重奏中第一個學的，在第一次聆聽就非常喜歡，是一個很舒服寬鬆的作品，雖然演奏起來一點都不舒服，因為曲子龐大，長度將近50分鐘。

我記得那天，小提琴陳逸群老師下午已經在樂團先演過一輪了，這個布拉姆斯演完他幾乎是站不起身，非常辛苦。德佛札克在去年跟著台北市交的老師們演過一次，在當年覺得繞手的地方，在去年都克服了；布拉姆斯則是幾年前在王道銀行和黃郁婷老師以及NSO的呂昭瑩以及唐鶯綺老師也回鍋了一次。

矛盾的心情是，有時我渴望學習新的作品，有時卻又遺憾某些作品是不是再也沒有機會演出了。小提琴陳逸群老師是我的大學同學，在法國留學回來以後，任職於NSO第一小提琴助理首席到現在也有十多年了。中提琴陳可倪是我國中到現在的學妹，住在離我一座橋的距離外，在長榮交響樂團也有一段時間了，今年（2020）五月剛剛和我演完最近的一場弦話。大提琴李易真是我的國高中同學，除了拉一手好琴，也很會寫文章，目前住在新竹有自己的工作室，同時是兩個孩子的媽媽。

黃郁婷的改編紀行：瑤族舞曲與西方交響的碰撞

瑤族舞曲原為劉鐵山以及茅沅所創作的管弦樂曲, 樂曲取材於瑤族音樂的「長鼓舞」, 整首作品描繪瑤族慶祝節日時的歌舞場面。曲中可分為行板、不太快的快板、中板及熱烈的快板。行板中富有情感的旋律, 快板呈現歡樂且充滿舞蹈性的節奏。這次分享的錄音是2019年委託作曲家胡宇君小姐, 為這場音樂會改編給小提琴, 二胡, 大提琴及鋼琴的版本。

這場音樂會, 是我所經歷的室內樂音樂會中最特別的一場, 中西樂器的組合以及許多重新編寫的作品, 在演奏上是音樂家們的第一次嘗試。我記得排練瑤族舞曲時, 這首作品連結著我們在交響樂團及國樂樂團演奏的聲響, 大家熱烈的討論著要如何在室內樂中詮釋這首作品。對我來說, 室內樂的美好, 是身為一位音樂家最幸福的一部分。和不同音樂家一起排練, 討論彼此對音樂的想法; 音樂會時, 我們一起享受舞台上的moment; 音樂會結束後, 我們雖然各自回到自己的生活圈, 但line群組總是延續了好多天, 似乎我們都還是沉浸在音樂會的當下。

2020 Covid-19 從年初開始改變了全世界的生活方式, 緊張的情緒, 以及取消的藝文活動, 我們的生活中似乎缺少了些什麼。時序來到夏季, 疫情漸漸地趨緩, 現場音樂會慢慢恢復的同時, 我回想起這場2019年末的演出, 這場嘗新且結合熟悉的音樂會, 勾起我許多這場演出的回憶。分享這首作品, 希望從音樂中分享音樂家們一期一會的美好。也期待今年夏季之後, 音樂家們都能回到現場音樂會上, 演奏及分享我們所愛的音樂。

翁重華的室內弦話01：回首鋼琴四重奏

時間：2008/05/17(六)   14：30

曲目：舒曼/降E大調鋼琴四重奏，作品47；佛瑞/第一號C小調鋼琴四重奏，作品15

 

 

鋼琴四重奏(鋼琴、小提琴、中提琴和大提琴)的組合並非莫札特所創，但卻是莫札特率先發展並奠定了這個組合在聲音藝術上的可能性，使後來音樂史上得以有廣泛的作品產生，其中的要素包括將鋼琴從原本作為數字低音樂器(Basso continuo)，而後獨立出來成為主要角色；引進中提琴作為內聲部的擴充，在音響上更為豐富濃厚，以及讓大提琴脫離純粹的低音伴奏，能夠和其他樂器相互抗衡。莫札特的四重奏對後代極具影響，使接下來其他的作曲家對這樣的組合躍躍欲試，得以有廣泛的作品產生，包括德國作曲家貝多芬、孟德爾頌、布拉姆斯、舒曼與史特勞斯，捷克作曲家德佛札克與蘇克，法國作曲家聖賞、佛瑞和蕭頌，英國的布里奇和沃爾頓以及美國的柯普蘭等皆有創作。

 

舒曼在1842年中先創作了一首給鋼琴和弦樂的五重奏(Op. 44)，在幾天之後又立刻著手這部四重奏，兩首甫成為他早期的室內樂經典。比起大型的管弦樂作品，舒曼在室內樂部分是相當得心應手的。在弦樂四重奏以外，這兩首搭配鋼琴的室內樂都是以鋼琴為主，弦樂成為應答或跟隨的角色。在這四重奏中，舒曼於樂章裡使用了主題串連(thematic links)，使得整首作品更為完整與宏大，並且處處可見貝多芬的影響，例如加入慢板當作第一樂章的序奏，將詼諧曲樂章安排在慢板樂章之前，以及對於對位和賦格寫作上的用心。除此之外，典型的舒曼性格也表露無遺：兩極化的情緒(熱情與深沈)、錯置的重拍掛留、切分音形等，充分反應了作曲家的成熟風格。

 

一般認為的法國作品帶有朦朧的色彩、模糊或者不清晰。事實上那只是音響上所傳達出來的表現，作曲家們對於結構上的嚴謹、和聲上的推敲、旋律的設計以及聲部的安排之縝密，並不亞於他國之作曲家。即便如此，音響上的要求仍是保持著一貫的輕盈、精緻和愉悅(pleasure)。

 

在佛瑞的這首第一號鋼琴四重奏中有許多令人讚賞之處：對於奏鳴曲式(sonata form)的熟練掌握、聲部之間對答呼應上的講究、豐富且有個性的旋律線，以及鋼琴聲部裡的靈活運用。更可貴的是，佛瑞已經在這早期之作中注入了高度的優雅品味與令人懾服的原創精神。整體來說，這首四重奏完全反映了佛瑞個人與其聲響語言上的「文質彬彬」(urbane)。繼佛瑞的恩師聖桑(Camille Saint-Saëns, 1835-1921)之後，佛瑞找回了在法國作品中不被重視的室內樂作品的定位，加以獨特的手法，是繼他的小提琴奏鳴曲(Op. 13)之後，又一部成功的代表作。

 

後記

找了兩天的節目單，終於在剛剛交稿前找到了。由於電腦裡只有留存當時的樂曲解說，因此挖出了節目單後才真正確認了演出時間。選擇以這個組合開始，除了曲目都是喜歡的也是經典的以外，還有一個很難啟齒的理由，就是我對一般室內樂最基本款的「三重奏」完全無感，總覺得三重奏裡缺乏了豐富的聲響，還有彼此間較勁多過合作的不融合。或許真的是因為中提琴的出現改變了這一切吧！弦樂本身可以自成一格，而在鋼琴與弦樂的對話中也平衡了不少。上半場的舒曼在這次演出後就沒有再彈過了，一直到2017年國家交響樂團NSO的室內樂場邀演，才在上下半年跟全女子以及全男子兩個團體，一口氣演了兩次。小提琴陳幼媛老師還能在學校裡偶遇，也來欣賞過後來的弦話，常常推薦學生來找我上室內樂課。與中提琴陳瑞賢老師還在我大學時裡就合作過幾次音樂會，幾年前老師舉家移民美國，就沒有再聯繫了。大提琴歐陽老師後來到了師大專任，是我的大學姐之一，偶而碰上一面，覺得老師益發年輕。

 

黃郁婷的改編紀行：陪伴而來的樂聲

媽媽從小聽我拉琴，一直在音樂的道路陪伴我，每一次的音樂會，我總想為媽媽演奏一首曲子，媽媽喜歡聽台灣民謠，因此在每是小廳的音樂會中，最後一首演出作品我都會安排民謠。

2019年的獨奏會，我邀請編曲家，也是我的好朋友周意紋小姐為音樂會做民謠改編，她為這場以「舞曲」為主題的音樂會，改編了月夜愁非常精彩的Tango小提琴與鋼琴演奏版本，想以這支影片感謝我親愛的的媽媽，也以這首作品祝福天下的媽媽母親節快樂！

翁重華的室內弦話緣由

來自翁重華老師臉書

在學校規劃了「室內弦話」的節目已經有十年多一點點了，一開始其實只是單純希望能夠有自己的節目。彈多了聲樂或器樂的音樂會，曲目多半來自於獨奏（唱）家，給什麼彈什麼，鋼琴家甚少能有意見（而對於無伴奏曲目絕對是拍手叫好）。

自己的節目，意味著編排主題，找尋作品，物色合作對象，還有寫曲目解說，做文宣，聯絡錄影音工作等等。在一場演出中以同樣的編制，或者類似的主題(例如來自同一個地區或是不同作曲家的早期或晚期作品)是我常用的模式，作品在主題當中能夠比較出異同，對於演出的我們也有個清楚的排練目標。

找作品通常伴隨著不期而遇，特別是在一般常聽的「一線」作品都演出過了以後，YouTube、Naxos Library、IMSLP甚至廠牌唱片公司的線上目錄，便成為我開發曲目的重要線索。點開樂譜或音樂連結之後，有一些是能立刻產生共鳴，有一些則是眉頭深鎖只能搖頭。挖掘一些熱門作曲家的罕見作品，跟一些未曾耳聞但是編制符合主題的作品，我從中獲得的驚喜（有時是驚嚇），就好像在跟網友碰面一樣，都是只有自己才能體會的樂趣。

能演到自己喜歡的曲目，是最令人開心的事；而這個開心還包含著，是和自己認識的好朋友或者老師們一起合作，享受那些自己無法獨力完成的音樂。我一直都認為，因為無法獨力完成，才更顯出這些音樂的難得。每個合作皆有著它們的獨特與無法替代，因為那是跟特定人選所達成的共識，熟悉的伙伴通常有著一定的默契，新的對象則會帶來不同的思考面向，讓音樂重新被審視。所以室內樂一旦換了伙伴，換了曲目，一切都要歸零。

當演出結束返家後，最不捨的就是將這些譜歸檔的時刻，我總是不能夠確定是不是還有將它們「下架」的機會，也不知道下一次再演出同樣的作品，又會是哪些人？我們像是一起共乘的旅客，一同欣賞沿途的風景，而在抵達目的地後，各自走往不同的方向。

唯一能喚回的，都是那些排練中的點滴，我們也許都忘了最後的演出成果，但總是記得排練中的那些討論、笑鬧與爭辯。十年多下來，以每年上下學期各一場，一場中安排兩個作品的進度，持續的累積至今。我沒有想過系列可以維持到現在，然而督促著我的，是不是只是礙於一個「不甘寂寞」的懸念--可以有不同的聲音在耳際擱淺，還有多少精彩的作品，在等待初見？

翁重華：聖桑的鍵盤之愛

在這篇隨筆裡你可以讀到：1.聆聽聖桑鋼琴四重奏的重點提示 2.作曲家對鍵盤的情感

一般人印象中的聖桑，最有名的作品大概就屬「動物狂歡節」了。據說聖桑其實用這部作品嘲笑了不少作曲家，因此在作品首演之後，他就不再將作品上演，甚至也不承認出版，只除了「天鵝」一段。

大家所不知道的是，聖桑其實也是個神童，在五歲即登台彈奏貝多芬的小提琴奏鳴曲，十歲時在公開的音樂會上以「背譜演奏任何一首貝多芬的鋼琴奏鳴曲」作為安可；除此之外聖桑研究地質、考古、昆蟲、植物學等，並自學拉丁文，寫過關於聲學、羅馬劇院裝修、巫術的學術文章，同時還是法國天文學會的會員。

多產的聖桑，一生中寫過各式各樣類型的作品，然而聖桑最鍾愛的樂器還是鍵盤，在他的第三號交響曲「管風琴」中，除了動用管風琴之外，還讓一部鋼琴以四手聯彈的方式在樂團編制內；他的鋼琴協奏曲，也是處處充滿了華麗的技巧，將鍵盤音域拉到極限；在D小調的小提琴與鋼琴的奏鳴曲裡，也讓鋼琴以幾乎是獨奏家的方式和小提琴並駕齊驅。

雖然有人批評流於膚淺，但聖桑在音樂結構上，本質卻是相當的古典。他重視著音樂的內涵，在流暢的分解和弦和快速的音群之下，其實仍嚴守著基本的曲式架構，尤其喜歡讓旋律反覆出現，以「循環主題」的方式讓前面出現過的旋律重現。在多數的同儕作曲家汲汲於歌劇的同時，聖桑以器樂作品獲得了大眾的認同。

這首鋼琴四重奏其實是聖桑的第二號作品（第一號作品為學生時期的創作，直到1992年才被出版），在佛瑞的鋼琴四重奏出現之前，聖桑已經採用這樣的組合，以莫札特為範本，寫出這首優美且非常具有效果的四重奏。值得一書的是在終樂章裡運用賦格的方式，精準無誤的將前面三個樂章主題交錯出現在不同的樂器聲部中，如同接二連三施放的煙火，讓人驚嘆連連。

後記

記得2014年，第一次要演聖賞時其實相當忐忑，鍵盤是聖賞拿手的樂器，所以音符之多，譜面幾乎都是黑色的一片。最近重新看回一些評論，論及聖賞所要求的效果，是一種「忙碌的寧靜」--以密集的分解和弦，製造出一整片寬廣的安詳。在這樣懸殊的對比下，鋼琴家要保持的除了技術，還要有臨危不亂的穩定，面對密密麻麻的音符，知道作曲家要的效果勝於精準。我開始學著不被音符綁住，以塊狀的和聲去掌握，似乎就讓自己放鬆了下來。沒有忘記的，還有與作品初見的驚喜，這麼具份量、有效果又幾近完美的作品，居然極少被搬上舞台，至今我仍視它為壓箱寶之一。音樂家的責任，除了滿足聽眾口味，是不是偶而可以「自肥」，選擇自己真正想投入的作品之中？

翁重華：你心中也有一位不願辜負的人嗎？

在這篇介紹裡，你／妳可以讀到：1.捷克作曲家蘇克的起步  2.說不盡的師生情誼

1891年，17歲的蘇克（Joseph Suk, 1874-1935）開始跟隨德弗札克學習作曲。

德弗札克給他的第一個功課，便是以一個在黑板上的主題創作的變奏曲。才學習三年作曲的蘇克並未理想的完成這個作業，於是老師提議不妨換個方式，寫作一個鋼琴四重奏試看看(在這之前蘇克已經完成過一首鋼琴三重奏，也讓老師過目了)。這個提議佔據了蘇克所有的精神和時間，創作的同時，和Hans Wihan(捷克弦樂四重奏的大提琴手)一起的室內樂課程，則讓他對室內樂作品有更深入的瞭解，間接強化了寫作的技術。

幾年後蘇克這麼回憶著：「那一年的復活節我在老家，完成了四重奏的第一樂章，老師看過之後，興致勃勃的跟我說他想要看看接下來作品會怎麼發展。這反而讓我害羞了起來，但也鼓舞了我以全部的熱情繼續寫作。後來的作曲班上，老師點名了：『蘇克，讓我們看看你還寫了什麼！』我坐到鋼琴前，將第二樂章邊彈邊唱直到中段結束，然後對老師說，就只有到此而已。整個班上陷入了一種異常的安靜，所有人都嚴肅的盯著我。我看到老師朝我走來，接著在我的臉頰上吻了一下，說道『你，是最棒的！』。那天下課後，我步履蹣跚頭腦發昏的走在回家的路上，心裡只有一個念頭：面對我的恩師--這麼一個值得信賴的偉大的人--我還能為他做些什麼？」

懷著景仰、感念、熱情和激動的心情，蘇克將這首鋼琴四重奏，以作品1出版，題獻給他最親愛的老師。

P.S. 影片中擔綱第一小提琴的Josef Suk是作曲家Josef Suk的孫子，也是Dvorak的曾孫（作曲家Suk娶了Dvorak的女兒）

黃郁婷：一首讓我收穫了那份珍貴悸動的作品

在這篇文章裡，你／妳會讀到：1.「羅密歐與茱麗葉」從「戲劇」成為「芭蕾舞劇」的歷程  2.小提琴改編曲的聆賞方法  3.演奏家的心裡話

普羅高菲夫  羅密歐與茱麗葉組曲

S. Prokofiev suite from “Romeo and Juliette” for violin and piano﹐

arr. Lidia Baich/Matthias Fletzberger

Introduction    序奏 

Julia   茱麗葉 1"46

Tanz der Ritter 騎士之舞 3"08

Balkonszene     樓台場景 5"57

Tanz der Paare 情侶之舞 10"16

Mercutio    莫枯修 11"34

Kampf und Tybalts Tod 戰鬥與堤伯特之死  12"20

普羅高菲夫根據莎士比亞的劇本《羅密歐與茱麗葉》譜寫芭蕾舞劇，於1938年首演，在芭蕾舞劇完成後，普羅高菲夫又從中選段完成三組管絃樂組曲以及鋼琴獨奏作品。

在芭蕾中沒有對話， 因此音樂寫作上普羅高菲夫以主題動機來描述角色，這樣的寫作方式是受到華格納的影響，每個角色都賦予著鮮明的個性。在管絃樂組曲中，配器上有許多特別的樂器使用，包含薩克斯風，曼陀林及古中提琴 (viola d’amore)，讓音色的呈現又更加多元。在音樂上，普羅高菲夫結合了細膩的愛情故事以及刻劃真實的打鬥場景，深刻的表達濃烈的愛戀，以及激動，緊張的情緒，揉合了溫暖以及寫實的故事情節。

小提琴與鋼琴的組曲版本是由奧地利小提琴家Lidia Baich和鋼琴家Matthias Fletzberger改編， 於2012年出版。這個版本中節選了幾位主角的音樂，包含羅密歐，茱麗葉，羅密歐的好友莫枯修(Mercutio) ，以及茱麗葉的表哥提巴特 (Tybalt) 。

樂曲選段由序奏開啟，青春嬉戲的茱麗葉登場，接續著家族的騎士之舞，發展到本劇中心的陽台場景，雙人舞濃烈展現了愛戀的美好，接續著年輕男子們的戰鬥，組曲版本雖以提巴特之死作為音樂的結束，但也暗示著故事走向悲愴的結局。

普羅高菲夫的羅密歐與茱麗葉改編給小提琴跟鋼琴的版本，多是以選曲方式編排； 這次演奏的這個版本以組曲寫作，讓故事更一氣呵成。樂曲寫作上展現鋼琴與小提琴多變的音色與技巧：鋼琴如同樂團般，呈現磅礡的聲響；小提琴多變的色彩，鮮明的介紹著每個角色；絢麗的技巧，緊湊的敘説著故事； 藉由精彩的二重奏組曲型式，讓情緒跟隨著音樂，再此體驗這段淒美的愛情。

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很榮幸受到吳總監的邀請加入活樂時光平台，和其他優秀的音樂家們一起在平台中分享音樂。選擇這首做為我的第一首介紹作品，因為這是我剛回國時，在交響樂團工作第一場正式演出的曲目，另外，我永遠記得我第一次看完Romeo and Juliet芭蕾舞劇的那份悸動，之後在看到這首組曲版本的樂譜時，興奮的覺得這首曲子非演不可，剛拿到樂譜時，還非常心急的把Balcony scene拉了很多次.......這次分享的演奏版本是我與鋼琴家翁重華老師在合作多年後，在2019演奏廳演奏的現場video，希望把這首曲子推薦給喜歡芭蕾音樂也喜歡小提琴演奏的愛樂者們！

改編作品結合了改編者與演奏者重現經典作，並賦予更多的想像，為經典作品展現新的面貌。接下來，會為各位陸續介紹其他我所喜歡的改編作品，發現及演奏改編作品對我來説是充滿樂趣且新奇的，熟悉的作品，有時會有一種“舊朋友換新裝扮”的感覺，常常有會心一笑的片刻，非常期待與大家分享這些作品！

王亞文：沙發要這樣擺

在這篇隨筆中，我們可以讀到：1.深夜裡可以做的事 2.對於「錯」，我們可以這樣看 3.對現代母親的打氣

我真的很愛沒事就動動家裡的擺設，大概是從小看慣了媽媽心情不管是好還是不好，都用移動傢具來表示，果然是真傳。

很愛亂牽拖的我在夜深人靜時，突然深覺這個動作意義重大，一方面是表示我愈來愈了解自己的需求，二方面是我與我所在的空間，相處得愈來愈融洽，最重要的，是我欣賞並且感謝，改變前帶來的價值，即便在做改造時都是迫不及待，但我很清楚那只是因為有了新方向而感到興奮；改變之前的存在，對我來說還是無可取代的。

所以我很愛彈「錯」（這是什麼結論）。

我的意思是，練琴時，我深深愛上那些自己能夠意識到錯誤，想做點改變的時刻，因為就是這些時刻讓我更能消化這個作品。

至少我是這麼認為，「錯誤的發生」本身多少帶點自己先入為主的觀念、經驗，能夠發現自己犯了錯，這本身就是個難得的事，更不用說還要將它修正，真的是要給自己拍拍手才是。

總之，沙發放在牆邊也是幾年了，最近改個角度好像更好，頓時覺得自己真是好棒棒，怎麼想得到怎麼完美的方式擺放呢！哈！但沒有放過原本的位置，我又怎麼可能知道這樣做更適合我？

（原文刊登於王亞文官網）

張璿：遠距視訊個別課教學分享

已經線上課程第三個星期，和大家分享一下。音樂個別課的線上課程已經討論和規劃了兩年，但一直沒有真正落實，主要的考量在於音樂藝術領域的學習，除非學生特別有自我啟發性，不然在手把手地傳授感受力和聽覺的部分，不確定經過視訊壓縮後，是否有成效。

但，情況已經這樣了，不囉唆，做！ 學校的緊急封鎖消息，讓線上課程陸續在兩天內設定好，老師們上傳課程大綱與測試。討論兩年的事情在兩天內做到，證實在美國學校裡其實沒有什麼不可能的政策，只有做不做的事。

課前準備

關於軟體設定

無論使用哪一種視訊軟體，最初都先應該仔細查看每一個控制隱私權選項，例如：選擇學生進入課堂時，需要密碼或是進入等待區，待老師確認權限才能進入等。

另外，建議攝影孔和樂器的角度，至少調整到畫面平行或從上而下。有時看到對方視訊螢幕為鼻孔與天花板的角度，看久了除了視覺疲乏外，脖子也會感覺些許的酸。

關於硬體設定

理想中，收音和放音建議分開。最簡單的方式，就是使用耳機放音。使用耳機可以避免電腦同時在收放音產生的延遲與雜音。若是不習慣在演奏樂器時戴上耳機，以及考量耳機線對於攝影位置的侷限，可使用外接電腦喇叭，並且避免喇叭放音角度與電腦收音的孔重疊。簡單的方式就可提升教學的品質。當然，若能進一步使用收音麥克風收取樂器的聲音，的確會提升教學效率。但，這樣的設置，一般來說對於學生與家庭，並不容易。視訊教學雖然越簡單越好，但音樂個別課若真的長期需要使用視訊，的確需要考慮以最小成本，安排小巧的攝影錄音方式。

開始上課

關於開始的兩個星期，學生反應與教學效果都不錯。以下其中幾點提供參考：

關於教學

1. 教學內容需要更精簡，需要更多時間等待反應與回饋。當每句話以舒服的速度講完後需停留大約1/4秒，等學生聽懂、思考、並做出回應。

2. 視訊教學時不能雙方同時演奏與同時講話。例如：當學生盡情享受自己的演奏時，聽不到老師對螢幕大吼『可以停下來了！』。教學時，需要先告知聹聽的段落。另外，現場教學時與學生一起合奏的樂趣，在視訊中並不能使用。

3. 視訊教學無法由老師親自糾正姿勢，以及有效率的讓學生體會身體的運用。這部分，其實是很好的機會，教導學生如何成為自己的老師，如何學習自我成長。例如，如果學生的狀況是手型坍塌，我會請學生自己用左手食指，像雨傘般支撐著右手掌心中指的 “土星丘” （不知道如何形容，有興趣知道確切位置可google搜尋，也可參考照片1 ），以這個點為手形的中心點，讓其他手指獨立放鬆的運動，反之亦然。並在練習時，自己感受並形容（恩，隔空開藥）

關於樂器音質

在聲音的選項內，“不要” 選取自動過濾雜音的功能。如果是純粹講課，這個功能很好，家中若有傳來的炒菜聲、背景吵鬧聲音可以過濾掉。但對於樂器演奏，需要同時聽到較高與較低的頻率，才能盡量還原樂器的音色。

關於音樂表現力與音色的控制

音量強弱的變化，經過電腦的麥克風效果被壓縮，學生反而會更努力去做到關於音量的表現力。但音量的表現力，同時需要細膩的音色的控制，但音色在一般視訊課程中，很難聽出細節。所以視訊教學規劃中，每個學生需要在 google drive 上設定共享資料夾，每星期將其練習曲目之中需要幫助的部分，以影音錄製上傳。在 google drive上，也建議學生使用 google sheet 紀錄練習與問題，老師有時間可以在分享檔案上，依序回答。這也可以幫助學生建立自我省查和練習的規劃。

關於時間的控制

視訊教學不見得比親自一對一教學費力，但必須專注在螢幕前如表演般的演講，對於學生或是老師、對於視力或是聽力，長時間下來都會產生一定程度的不舒服與壓縮感。建議將一星期一堂60分鐘的課程，有效的分為兩堂45分鐘：一堂專注於技巧，一堂課專注於曲目的詮釋與討論。

實例分享

我以「大鍵琴和古鋼琴怎麼教！」為例進一步說明！

對於沒有樂器的學生，學校的封鎖，的確使得學生無法享受在大鍵琴與古鋼琴上演奏的樂趣、以及體會古樂器舒適的觸鍵。於是，學生可以選擇，在鋼琴上演奏巴洛克和古典時期作品的詮釋。如何在鋼琴上，將具有時代性特徵的樂句、終止式、風格、還有音色等豐富展現，是值得學習的內容。

另外，學校音樂系將提供還留在鎮上無法離開的鋼琴主修學生們，一人一台電子琴。對於沒有鋼琴的學生必須用電子琴，想像鋼琴、大鍵琴、和古鋼琴的音色，除了對傳統學習是一種挑戰外，另一方面，私心的期望，鋼琴主修可以在這個機會下，啟發對作曲與即興的靈感。用電子琴的練琴方式，或許可以發展出古典音樂外的多面向。

關於視訊音樂教學，目前還在思考如何突破的點為：在弦樂器上的音準！音準！音準！音準是古典音樂表現裡最基本但不容易的藝術，在文章最一開頭提到的爭議：“除非學生特別有自我啟發性，不然必須手把手地傳授感受力和聽覺”的部分。有些學生對於音準的敏感度尚未成熟，建議在為這樣的學生視訊上課時，請學生自行準備調音器協助。除了老師能更開心的持續享受美妙的音樂教學，也是機會讓學生學習如何找協助工具。

影響視訊教學最直接的是網路速度。家裡的網速一般沒有學校快與穩定，一但下大雨，社區還有停電的風險。印第安納大學雖然封鎖校園，但仍規劃了一個大停車場。在這個停車場範圍裡有最快最穩的wifi，讓老師們能在隔離的空間內，維持教學的品質（雖然在車子裡教學很奇怪，但許多視訊軟體都可以換背景，教學畫面還是可以維持舒服的程度。）

法學院教授使用Zoom背景

剛開始的視訊隔離兩週課程，學生出乎意料的專心。這是很好的機會在開始習慣軟硬體時，讓學生把技巧部分專心磨練、反覆練習。但長久下來，視訊遠距音樂個別課，還不能確定學生對於螢幕的疲勞性、以及持續學習的熱誠。在長遠的音樂教育成效上，尤其是對音樂性與音準的效果還需商榷。或許，在人與人社交靜止下所激發出的時空，能成為啟發安靜思考的契機。

另外，作為家長，視訊遠距教學的確節省很多精力在交通和等待上。只要小朋友準備好了，確定了設定和角度，把畫面裡的雜物挪開（不需特別整理），在旁邊穿睡衣或是在廚房準備晚餐都不是問題。十分愉悅。在前幾天的舞蹈課裡，也看到有同學在公園裡參與視訊課，背景的鳥叫和同學們興奮的雜七雜八聲音十分熱鬧。雖然老師有指示同學在大班課時將收音麥克風設定靜音，但能和同學們一起跳舞和說話，的確在這樣的社交方式情況下，感覺不孤單。

林志謙：找到方向就可能突圍生活的限制

跟著志謙，我們將讀到：1.有效的樂器練習分享  2.轉換跑道的心路歷程  3.新手爸爸的用心

對於當下的生活，每個人會有不同的解讀——有些人覺得滿意，無須多做改變、有些人希望有所調整，或許大多數的人和我一樣屬於後者。而事實上，每個人在不同階段都必須找尋「平衡點」，這個平衡點的兩端會有些許的變化。對現階段的我而言，一端是工作、演出與自己想做的事，另一端則是家庭，所有的壓力，都來自兩邊在時間的拉鋸賽上；相對於學生時期的階段，這平衡可能相對簡單些，天秤兩邊的盤子上，不外乎課業、同儕，另一邊則是目標，生活的壓力也許只是羨慕別人成績好、有才藝、人緣好等等。但無論在哪個階段，我相信只要有想突破的心，關鍵點就在思考、效率與勤奮。勤奮是我的座右銘，我一直相信只要夠努力，就會有一定程度的進步。

在努力與勤奮的路上，最常遇到的障礙物，便是自己的懶惰與羨慕別人的心。我們容易覺得別人的生活很豐富，只因為對於別人的生活我們常常只看到了表面，尤其是光鮮亮麗、輕鬆愜意、享受生活的部分，卻往往忽略了其他面向的努力，及成就他們背後的付出。如同很多人在定義我的人生之餘，背後也是有一段從墮落深淵，努力往上爬的故事。

漆黑的鏡子前照出未來的路

想起有個懵懂無知的普通班學生，毅然決然的在升高三的暑假決定報考音樂系，即便深知術科程度落後從小念音樂班的學生、學科在高中前兩年也非常不扎實，而他只能努力不懈，把先前墮落的時光補回來，把落後的時間加倍追回。我記得他擬定的高三衝刺行程是：放學後半小時吃完飯，進圖書館到晚上九點半關門，再到管樂社團練琴到半夜十二點、一點。每天重複著固定的行程，週末就是主修、副修、視唱、聽寫、樂理等術科的加強上課時間。

如此「充實」的高三生活是來自前兩年的墮落：高一、高二便一頭栽進管樂社，從此無法自拔。沉迷音樂的小小世界後，一路發展到有一個月的時間，每天揹著書包進校門後直接走往社團練習、聽音樂、團練整天，只為了準備好管樂團的音樂比賽。而下課後便和同學相約網咖，甚至整夜不睡覺包臺到天亮­—這樣的生活雖在學風自由的台中一中，想想也算是特例了—但當下決定要發奮圖強時，他再也沒有踏進網咖半步，一切盤算著要如何考上理想中的音樂系，試圖解決路上的荊棘。

晚上學校斷電後，拿照明燈在漆黑的社團大鏡子前練習，毛骨悚然的舉動只為了注意著自己的嘴型是否正確。就這樣每天都「默默的」在寧靜的校園裡吹樂器、彈鋼琴，想也知道怎麼可能不被工友先生發現。有一次就被通報教官，立刻沒收社團鑰匙，但隔天馬上想出對策，先觀察工友先生行程，在他接近時上鎖並躲起來，待他遠去再開始練習，練完琴再翻牆出早已關閉的學校。

噢！我忘了說，那個不知天高地厚的高中生就是我本人。

努力加上效率，成為專家的唯一途徑

我深信著作家格拉德威爾（Malcolm Gladwell,b. 1963）在《異數：超凡與平凡的界線在哪裡？》（Outliers: The Story of Success, 2008）中提出「一萬小時定律」，認為持續不斷的努力，便能成為該領域的專家。就我經驗，若同時配合上效率，便會是能成功的關鍵—如果只是一味的埋頭苦幹，沒有先想好如何提升效率與方法，是容易事倍功半的。

比如我第一次在美國考職業樂團時，就遇到了很特別的經驗。當時我飛到路易斯安那州的紐奧良，有許多應考者都住在同間旅館裡，一進房便聽到隔壁傳來單簧管聲，特別的是，隔壁房客練習時竟以將近一半的速度在吹奏著所有曲目，無知的我還嗤之以鼻的覺得都在最後關頭了，怎麼會還花這麼多時間以慢速吹奏練習？隔天結果公布，從七十多位應考者中，通過三輪考試脫引而出，並獲得路易斯安那愛樂樂團的單簧管首席職位的人，正是隔壁的房客！這練習方法持續在我腦中多時，百思不得其解，但終於在幾次上課與大師班中解開我心中的疑惑，運用甚慢的速度來確保每個小細節都能由演奏者掌握，也確實能夠用耳朵聽清楚樂思，這些微小變化才能清楚傳達，同時也是因為速度慢，才能讓演奏音樂時得一心多用的每個環節確實被照顧到，而不會只流於一種肌肉記憶。因此，這方法也成為我練習的重要方針。

五年、十年、二十年後你想成為什麼樣的人？

思考這個詞在我學習路上是較不被重視的，但卻在幾個人生重要轉捩點中扮演最重要的角色，常常花些時間靜下心思考，會有許多想法更清晰，我會問自己，人生的目標是什麼？五年、十年、二十年後我想要成為什麼樣的人？什麼樣的工作是我喜歡的什麼是沒興趣的？縱使答案剛開始不明確，但漸漸方向會是越來越清楚的。對學生而言，個人覺得可以多問自己幾個問題，想做什麼職業？對將來生活的想像是如何的？要怎樣才能達成想像中的生活？這些問題不容易有立即的答案，但在這漫長的摸索之中你會自己了解到，哪些事是你在行，哪些事能使你開心有成就感，哪些能成為日後的經濟來源。

美國留學是讓我養成思考的時期，上課時同學的發言踴躍與態度跟台灣很不一樣，會在上課中與老師激烈的討論與積極發言，反觀自己於此，較不勇敢，較沒主觀意識與個人想法，我想跟從小的教育有些關係：我們被教導聽老師的話，不敢有太多個人想法，太多想法的學生很容易歸類為「不乖」等。這樣的不同，刺激我去思考更多屬於自己的想法，而美國上課老師也常問：你覺得呢？激發我們去想，尤其在藝術或是需要創造力、想像力的領域，真的是需要有屬於個人的觀點來說服別人。

回頭再檢視自己目前的生活，一定都有可以再突破的地方，覺得時間不夠用？那就思考如何在有限的時間裡，用最有效率的方法勤奮努力。一天中的哪個時間點是做事最有效率的時候？同樣的行程可以怎麼安排來節省一些時間？讓工作更有效率？以我學生時期而言，晚上念書是浪費時間的，因為往往沒十分鐘已開始昏昏欲睡，根本是被書看而不是看書，也因此進圖書館的時間一定是選在精神好的時候，先思考自己的情況，找出最適合自己的工作方式。

現在的生活，除了懶惰，手機、3C產品能輕易地成為我們的敵人。我們容易花過多的時間在滑手機，而它也確實能讓我們有滿足感，但如果每天花了幾小時在上面，應該捫心自問，我們從中獲得了什麼？當沉迷於電玩或網咖時，我也是這樣問自己，當遊戲玩得很好，戰勝了敵人，回到現實生活中，我的人生變得不一樣了嗎？我想答案是顯而易見的。

每個人都有屬於自己的一條路，而且路是人走出來的，別人的成功路可以成為借鏡，但不一定是適合自己的，只要摸索之中慢慢找出自己的方向，即使繞了一圈，還是會找到屬於自己的路。



（原文刊載於黃秋芳創作坊中壢教室新聞台，是林志謙特別為音樂學習所寫的一封信）